jueves, 22 de julio de 2010

CINE CLASICO: LA TUMBA DE LAS LUCIÉRNAGAS


Todo un clásico de la animación de la factoría japonesa Ghibli. Una historia de supervivencia que obtuvo excelentes críticas en todo el mundo.

Hacía mucho tiempo que no me llevaba un impacto tan enorme, tan bestial, tan triste. No me hace falta ver Platoon para odiar las guerras, con ésta película, sin ni un sólo tiro y casi ninguna secuencia de acción, yo lo hago. Es imposible, salvo que alguna persona sea un iceberg o algo parecido, que quien la vea no se sienta inundado por la tristeza y la pena, por la desolación y por la lástima. Película tortuosa, dura, a la que le gusta jugar con los sentimientos de los espectadores y hacerlos llorar; creo que es imposible no hacerlo con ése final tan descarnado, tan trágico.

Uno se da cuenta, poco a poco, del constante deterioro que sufren los dos hermanos (inolvidable Setsuko) a causa de la guerra; y cómo unos absurdos principios japoneses, y mundiales, como son el orgullo y el honor, hacen derrumbarse toda posibilidad de esperanza. Película demoledora, sin concesiones, emotiva y seria. Una visión inteligente y no tan convencional del terror, de la lucha por la supervivencia y del egoísmo, y de sus causas y sus consecuencias.

Da donde más duele, en pleno corazón. No deja indiferente a nada ni a nadie. Desbordante de sentimientos y dulce a la vez, con una música deliberadamente melodramática, compuesta para acentúar y manipular. Pero no le quito mérito. Es una auténtica obra maestra indispensable. Te hará reír (no mucho), te hará sufrir, pero no será en vano.

La crítica estadounidense dijo de ella: "Una película obligatoria para todo aquel que duda de que el cine de animación pueda contar historias serias y profundas. Una maravillosa historia que te romperá el corazón" totalmente de acuerdo.

lunes, 19 de julio de 2010

CINE CLASICO: AGUIRRE, LA CÓLERA DE DIOS


Qué bonitas eran las historias de conquistadores, de aventuras, de grandes guerreros en tierras míticas y llenas de misterios. Qué cautivador el contacto entre europeos y aborígenes...

No, no lo era. Herzog nos lo enseñó. Nunca se ha hecho una película tan realista como ésta. En esta película se suda, se sufre, se tiene miedo y ansiedad, todo lo que ocurre es de una humanidad que corta la respiración.

Estamos ante el mejor retrato de la época de las conquistas españolas (las películas españolas dejan en su mayoría bastante que desear y en cualquier caso son herederas de ésta).

Ambición, codicia, competición, jerarquía, liderazgo, miedo, amor, locura... con una puesta en escena aparentemente sencilla, pero siempre coherente, con un puñado de personajes sucios, con el silencio, mucho silencio, Herzog nos dice tanto sobre nuestra naturaleza humana, que es preciso revisar más de una vez esta película para que nada se escape.

Aquí el punto de partida son hombres de otro tiempo que se nos hacen incomprensibles, pero creíbles. No simpatizamos con ellos por su rudeza y su brutalidad, pero aun así sentimos lo que sienten y entendemos sus dudas, sus conviciones y sus límites.

El río salvaje, la amenaza silenciosa e invisible, la enfermedad, los ruidos de la selva, los propios compañeros... son el rostro de la locura perfectamente mostrado por un Kinski que la muestra por todas partes en su interpretacion mas memorable.

miércoles, 14 de julio de 2010

CINE CLASICO: LA MUERTE TENÍA UN PRECIO


A mi modo de ver esta segunda película de la "Trilogía del dólar" es superior a "El bueno, el feo y el malo", en esta nos encontramos el spaguetti-western por antonomasia, sin más aditivos.

La música de Ennio Morricone es una de las mejores que realizó el genial compositor italiano, con un protagonismo más alla del mero acompañamiento siendo determinante en algunas escenas míticas.

Secuencias inolvidables como la entrada de Eastwood al pueblo mexicano o el memorable último duelo con el "reloj" de Morricone sonando de fondo, hacen de esta película una pequeña obra maestra del western y del cine europeo.

La historia mucho más elaborada y compleja que "Por un puñado de dólares" hace que los personajes cobren vida propia y que se conviertan en iconos que se copiarán hasta la saciedad posteriormente por muchos directores.

Destacar a Gian Maria Volonté que está magnífico en su papel del "Indio" y que demuestra que fue uno de los mejores actores italianos en los sesenta.

Lee Van Cleef está perfecto en su papel de "coronel" y está claro que Eastwood se siente ya tan cómodo en su papel que no necesita más que ser él mismo.

Pero si "La muerte tenía un precio" valdría por su calidad cinematográfica para ser recordada es que además supone la confirmación de una nueva forma de ver y hacer los westerns. Desde entonces ya nunca volvería a ser lo mismo.

martes, 13 de julio de 2010

CINE CLASICO: LA MATANZA DE TEXAS


"La matanza de Texas" es un hito del cine de horror, una obra maestra indiscutible que ha sido fuente de inspiración de incontables filmes de género. Aún hoy aparecen referencias a ella en filmes recientes como "La casa de los 1000 cadáveres" o el remake de "Las colinas tienen ojos", a mi entender, interesantes muestras de cine de género, pero muy alejadas de la obra de Tobe Hooper,  director que gracias a ésta película se labró una interesante carrera dentro del fantástico (con "Poltergeist" como film más importante), aunque desde mi punto de vista jamás volvió a acercarse ni por asomo a los resultados conseguidos con esta película imperecedera.

Jamás se hará una película de terror igual. Un hito en la historia del cine y una de las cumbres del cine de los 70.
Opresiva, decadente, bizarra y macabra, no hay sangre a borbotones como mucha gente cree, todo es sugerido, pero es de una fuerza impresionante, inteligentemente apoyando en una demencial banda sonora y la utilización sucia y nerviosa de la cámara.

El film tiene aún mas valor si tenemos en cuenta que fué rodado en precarias condiciones con un presupuesto irrisorio y con unos actores desconocidos. En éstas circunstancias la maestría y el talento de un gran director sobresale por encima de todo.

La película es un retrato cruel de la américa profunda que invita al espectador a acompañar a los protagonistas  en su viaje a la locura por obra de la familia más ilustre que ha dado el cine de género.

"La matanza de Texas" cuenta con escenas antológicas que quedarán para siempre en la retina del espectador. Entre ellas, y a mi modo de entender, el impacto absoluto de la primera aparición de Leatherface. Una escena con una fuerza visual terrible, sin ningún tipo de apoyo sonoro, que nos deja perplejos, y atónitos, hasta el momento en el que tomamos consciencia de la barbarie que acabamos de presenciar...

Imprescindible para aquellos que gusten del cine de horror.

viernes, 9 de julio de 2010

CINE MODERNO: LOS SIN NOMBRE


"Los sin nombre" narra las terribles vicisitudes que ha de sufrir una madre a raíz de la misteriosa desaparición de su hija, situación que se prolonga durante años.

Es un film que bebe mucho de El silencio de los corderos o Seven y de directores como David Fincher y logra su principal acierto en tratar un tema como el concepto de maldad, su fondo y sus consecuencias.
¿Qué hace esta película especial?,tres cosas fundamentales:

-Un manejo de la estética la fotografía y la atmósfera poco visto en nuestro cine.
-Estamos ante una película seria, con "fondo" y que reálmente te lo hace pasar mal.
-Y un final impresionante, como pocos se han rodado.

Conclusión: La calidad de la cinta es sobresaliente y además, como ya he dicho, es única.

Estamos ante una película de terror "distinta" digamos que no es terror ni clásico ni moderno, sino un terror basado en temas tan dramáticos como el dolor, la pérdida, la falta del ser querido
Y esto resulta sobrecogedor gracias a la estupenda interpretación de Emma Vilarasau, acompañada de un siempre magnífico Karra Elejalde y un correcto Tristán Ulloa.

En resumen, Balagueró sorprendió a propios y extraños con esta película, consolidándose más tarde con la exitosa y estupenda Rec.

jueves, 8 de julio de 2010

CINE CLASICO: ALAS DE MARIPOSA


Claustrofóbica e intimista historia acerca de la relación amor-odio de una madre y su hija, marcadas ambas por una circunstancia terrible ocurrida en la infancia de la hija.

La película denuncia el machismo en una familia tradicional vasca, donde tras varias generaciones sin niños varones, nace de nuevo una niña, la protagonista, siendo ignorada por el patriarca de la familia, abuelo de la niña. Este asunto lo muestra Bajo Ulloa en un magistral arranque que se te queda en la retina: el abuelo espera en un largo y oscuro pasillo, golpeando con su bastón el suelo, impaciente; la enfermera comunica al hombre que tiene una nieta; éste se levanta y, sin decir palabra, se aleja por el pasillo... sobran las palabras...

La relación madre-hija está contada magistralmente, y a ello ayuda la excelente creación de Silvia Munt (que obtuvo el Goya) y la joven actriz Susana García. También destacados en papeles secundarios Tito Valverde, Txema Blasco, Karra Elejalde y la niña Laura Vaquero, poseedora de una mirada que marca la película.

Alas de mariposa esta llena de hallazgos, de escenas muy duras unas y poéticas otras, de dolor, de amargura...
A destacar la secuencia final, que es magistral y desgarradora.

Estamos ante uno de los debuts cinematográficos más prometedores de la historia del cine español: el de Juanma Bajo Ulloa, látima que se quedara en eso, trás Alas de mariposa relalizó la inferior pero tambien interesante La madre muerta y luego se pasó al cine de comercial con Airbag.

CINE CLASICO: MAD MAX II EL GUERRERO DE LA CARRETERA


Bizarra, con estética de cómic y con un puntillo cómico, esta película supuso en su día el destete fílmico de toda una generación de chavales (entre los que yo me incluyo), además de un hito en el panorama del género de acción de la década, copada por la industria de Hollywood con mayores presupuestos y haciendo películas prácticamente clónicas.

El emplazamiento en el desierto de Australia le daba a la saga la adecuada ambientación post-apocalíptica que necesitaba, además que darle una singularidad que ninguna otra pudo igualar (ni siquiera sus imitadoras made in Hollywood)

Mad Max II sirvió tambien para acabar de lanzar a un todavía joven Mel Gibson en el personaje de su vida.

En su día quizás no se le supo dar todo el valor y se quedó en rara, era una película muy de serie B... no tenía el glamour de las producciones norteamericanas, no salían cochazos (aunque el V8 nos robó el corazón a todos)... no hacían más que salir tíos raros (hay algún actor que parece sacado de una película de sado-maso)... tenía sus puntillos crueles (divertido hoy en día pasado el tiempo) como los del boomerang… en definitiva se salía de la tónica habitual… por eso tiene más valor hoy en día, porque la vemos y vemos una película única, mil veces imitada después y nos damos cuenta de que trás Mad Max II el cine de accion nunca ha vuelto a ser el mismo.

El final de nuestro querido V8 interceptor supone también el final de una época, la del viejo mundo, mientras las maquinas más apañadas van ganando terreno, cada vez más estrambóticas y hechas con remiendos sacados de aquí y allí y también lo del niño salvaje y el aviador loco adelanta lo que viene de camino.

Lo dicho, una joyita, de largo, el mejor personaje de Mel Gibson de los 80 y uno de los mejores trabajos de la década del actor.

Ah! se me olvidaba, si, si es una secuela, pero es tan distinta y tan lejana en conceptos y estética con su predecesora que para mí es una película única.

miércoles, 7 de julio de 2010

CINE CLASICO: MATAR A UN RUISEÑOR


Hay unas pocas películas que, más allá de los Oscar que han ganado o del valor cinematográfico que atesoran, tienen una especie de halo que las envuelve y las convierte en míticas para siempre...

"Matar a un ruiseñor" es una de estas películas, y por varios motivos: Esta es la historia de Atticus Finch (Gregory Peck), un abogado padre de dos hijos huérfanos, que los educa con dulzura pero sin ñoñerías, hablándoles con respeto y tranquilidad, y sabiéndoles escuchar, inculcándoles los mejores valores.
Además de criar a sus hijos debe enfrentarse a un caso muy complicado de violación, en el que es sospechoso un hombre de color... siendo los años 30 y en la zona sureña y más racista de EEUU los habitantes del pueblo dan por hecho que el acusado es culpable.

Atticus se encargará personalmente de su defensa, acarreándole la enemistad de sus vecinos, que el soportará con aplomo, pues cree en su dignidad y en sus valores, y en la inocencia de Tom. Sus hijos son testigos de la lucha de su padre contra los valores establecidos por una sociedad racista e ignorante.

Gregory Peck compone el que es el mejor personaje de toda su carrera, y que le valió justamente el Oscar, en una interpretación llena de honradez, dignidad, sabiduría, fe en unos principios morales, y firmeza en sus convicciones.

Los actores que interpretan a sus hijos estan estupendos, especialmente la pequeña Mary, que trasmite toda la admiración que un hijo puede sentir por su padre.

La dirección de Robert Mulligan plasma a la perfección la novela de Harper Lee en la pantalla, sin dejarse ningún detalle o matiz, siendo muy importante el punto de vista todamo a la hora de rodarla, siempre partiendo de la vision de los hijos.

Estamos ante una película que educa, que enseña, y que nos muestra cómo debería ser el hombre ante ciertas situaciones, pero, sobre todo, emociona.

martes, 6 de julio de 2010

CINE CLASICO: EL APARTAMENTO


Lo primero que debo decir es que estamos ante la absoluta obra maestra del gran Billy Wilder.

"El apartamento" es la crónica amarga en clave humorística de las miserias de un pobre trabajador necesitado de promoción profesional.
Al personaje que interpreta Jack Lemmon no se le ocurre nada mejor que ceder su apartamento a los jefes que lo necesitan para dar salida a sus infidelidades.

Pocas películas como "El apartamento" van tan rápidamente de la comedia al drama sin provocar en el espectador otra cosa que emoción y un regusto amargo.

Un retrato agridulce de dos naufragos de una sociedad hipócrita y cruel, de víctimas y aprovechados, que sufren las consecuencias de la soledad y el desamor, que cuenta con uno de los guiones más perfectos escritos para el cine, con el que ries y lloras a partes iguales...

Lleno de perlas en cada linea: "cuando una se enamora de un hombre casado no debería ponerse rimmel", juegos de palabras, diálogos, frases y situaciones geniálmente enlazadas (como todas la referente al espejo roto olvidado por Fran en el apartamento de Baxter).

Cuenta además con una elegante puesta en escena en blanco y negro y una maravillosa banda sonora de Adolf Deustch.

Como dice Carlos Boyero en El Pais: "No conozco ninguna película tan romántica, realista, soñadora, triste, mordaz, sensata, cabrona y bonita como ésta."

lunes, 5 de julio de 2010

CINE MODERNO: LA CARRETERA (THE ROAD)


Hacia mucho que una película no me habia dejado tan mal como lo ha hecho La Carretera, terminas de verla y sus imagenes se quedan en tu retina durante mucho tiempo.

Una película con una fotografía maravillosa y terrible, unas actuaciones naturales y convicentes hasta el extremo, unas reflexiones sobre el género humano estremecedoras.

Lo que nos propone La Carretera es mirar al mismísimo infierno, a la peor pesadilla del género humano.
Donde los monstruos somos nosotros mismos, donde no existe la esperanza, sólo días grises de agonía y horror.

Viggo Mortensen está colosal en esta película. Pero el muchacho, Kodi Smit-McPhee no se queda atrás. La química que mantiene con Mortensen es icreiblemente verosímil y gracias a ello, las escenas de mayor tensión emocional conduncen al límite de lo que un espectador sensible puede soportar. No ves a dos magníficos actores, ves a un padre y a su hijo en una situación límite.

Pero no sería justo en mis valoraciones si no mencionara a Charlize Theron, la cual consigue transmitir perfectamente la fría desesperación que la conduce a la depresión y la huida a la nada, o al magnífico Robert Duvall que consigue grabarnos a fuego ese anciano errante en la retina.

Tampoco quiero olvidarme del ladrón, capaz de pasar de villano a víctima en escasos minutos. Su aparición da pie a un interesante conflicto ético entre el padre y el hijo a propósito de la compasión y la supervivencia.

El director John Hillcoat mantiene con pulso de hierro toda la narración sin hacer ningún tipo de concesión al espectador.
Quizá se le achaque que se ablande al final, pero después de tanto sufrimiento es una pequeña luz dentro de ese caos de oscuridad.

Como conclusión decir que se trata de un film contundente, que consigue removerte las entrañas gracias a la verosimilitud de los hechos narrados. ¿Recomendarla? si, por supuesto, pero seguro que no os dejará indiferentes.

CINE CLASICO: IRMA LA DULCE


Un Billy Wilder en estado de gracia nos regala en esta joya de la comedia romántica: la historia de un pobre gendarme (Jack Lemmon, magistral, como siempre, con Wilder) que se enamora de una joven prostituta (Shirley MacLane, maravillosa, en el mejor momento de su carrera y ante el personaje de su vida) del parisino distrito de Las Halles, cuando la detiene en una redada.

Rebotado de la policía, se enfrenta al chulo que la controla y por un golpe de suerte termina convirtiéndose en el tipo duro del barrio, el que maneja los hilos. Feliz de compartir su existencia con ella, no le importa vivir de los ingresos que le proporciona, ni que ella le haya tomado por su nuevo protector.

Esta encantadora película de Wilder en la que repite pareja tras su obra maestra El apartamento (1960), contiene todos los elementos habituales de las divertidas y geniales comedias del genio austriaco: diálogos rápidos y punzantes, un perfecto guión, actuaciones memorables, Lemmon y MacLane llenan la pantalla, y un tratamiento no muy dulce del aspecto romántico, que le permite presentar el drama de la mujer dedicada a la prostitución bajo una capa de risas y tono ligero.

El personaje de Moustache, el dueño del café que frecuentan los personajes, lleno de historias propias que darían para un puñado de películas, es otro de los alicientes de esta comedia.

Para mí, junto a El Apartamento, una pélicula que está dentro de lo mejor de la historia del cine, imprescindible.

CINE MODERNO: THE DESCENT


En una montaña remota, Los Apalaches, seis amigas se encuentran para realizar una expedición espeleológica a las entrañas de la tierra.

La líder de la expedición es Juno, dura, atractiva, persuasiva y la más preparada. La acompañan las hermanastras Rebecca y Sam, Holly y Beth, profesora de ingles que va a regañadientes para cuidar de Sarah. Ésta se está recuperando de un colapso mental causado por un gran trauma y necesita este viaje para recuperar la parte de su vida anterior...

Con esta premisa comienza una de las mejores películas de horror que he visto en mucho tiempo.

Sin duda "The descent" es un deleite para los sentidos, si el que me está leyendo disfruta pasándolo mal viendo cine.

Estamos ante una de esas películas que salen muy de vez en cuando, un film de terror absolutamente fiel a los parametros del género: Fría, oscura, llena de sorpresas, sobresaltos, supervivencia, sangre y violencia...

Es digna de ver y disfrutar, y más aún si la ves solo.

En lo técnico, unas actrices desconocidas que cumplen de sobremanera con unos personajes que les exigen muchísimo. Dirección de actores mágnifica, una gran puesta en escena y una demostración de como sacar el mayor partido a un escenario.

El terror, o mejor dicho, la angustia que uno puede llegar a sentir viendo la película es tremenda, cada grieta, cada recoveco, cada sombra, cada sonido son acongojantes.

Incluso la iluminación de una linterna o una camara de video puede llegar a crear el momento más aterrador.

Si buscas una película que te haga temblar, "The descent" es tu película. No te defraudará.

sábado, 3 de julio de 2010

CINE CLASICO: MONSTRUOS S.A.


La factoría Disney/Pixar llegó a su punto ágido con esta maravilla tanto para niños
como adultos.
Lleno de humor inteligente, diálogos espléndidos, una historia con gancho y unos
personajes magníficos crearon la mejor película del año para muchos.

El guión, a parte de estos alicientes, destaca por unos grandísimos personajes
muy bien tratados y caracterizados, de los cuales sobresale absolutamente la relación establecida entre Sully y Boo.

La historia es original, redonda y con algo que te desarma desde el principio: el personaje de Boo se come la pantalla desde el primer segundo, es lo más maravilloso que ha hecho Pixar hasta la fecha, es imposible no sentir ternura por ella, es adorable.

A través de las puertas crean una acción andrenalítica final estupenda incluyendo
una genial visita al Himalaya con parada en la casa de un afable Yeti con un sospechoso aspecto de oveja y viajando por todo el mundo.

Como decía el peso de Monstruos s.a. es la relación Sully-Boo con ese final tan emotivo en su habitación (tanto la despedida como el reencuentro), es imposible no emocionarse, da igual las veces que la vea, siempre acabo llorando.

La animación es de altísima calidad. Como se ve en toda la evolución, en cada
una de sus películas se superan: aquí soprendiendo con el personaje de Sully
y todo su pelo, con el diseño del resto de personajes y la escena con las
infintas puertas de los cuartos.

En la parte técnica destaca otra gran partitura de Randy Newman llena de ternura, acción y dinamismo. El resto también esta muy bien, resaltando un montaje
estupendo que compone una película amena con más acercamiento al público adulto.

En resumen para mi, aún hoy sigue siendo la película de Pixar mas tierna y mi preferida... y claro, Boo quedó en mi corazón desde aquel primer encuentro.

CINE CLASICO: TIBURÓN


Estamos ante una de las mejores obras de Steven Spielberg,una película que sentó catedra y fué imitada una y mil veces y que además sirvió para lanzarle al estrellato definitivamente.

Aun hoy, no hay ninguna otra película sobre terrores marinos capaz de superar, ni siquiera igualar, esta maravilla del cine.
Terrorífica… asombrosa… con grandes actores (maravillosas interpretacines del trio protagonista con un absoluto "tour de force" a partir de la búsqueda en el barco) destacando sobre el resto un Robert Shaw en uno de los personajes mas famosos del septimo arte… y unos mas que dignos efectos especiales que harian sonrojar a muchos efectos digitales de los que vemos hoy en dia.

Una banda sonora memorable del maestro John Williams, que todos recordamos…

Los momentos en los que se ve al escualo bajo el agua, a pocos centímetros de la superficie… o simplemente cuando se observa por unos segundos la característica aleta dorsal asomar en la playa son aterradores, geniales…

La tensión, la impotencia, el agobio y miedo apabullante de la gente indefensa en el agua es parte de la historia del cine.


en definiva Tiburon es una de las mejores películas de suspense realizada hasta la fecha.

ah! despues de verla nunca volvió a ser lo mismo el hecho de meterte en el mar…

viernes, 2 de julio de 2010

CINE MODERNO: MILLENNIUM 1


Esta producción sueca es la adaptación de la primera parte de la trilogía de novelas "Millennium" escrita por el sueco Stieg Larsson, quien falleció en el año 2004 sin poder disfrutar de los más de diez millones de ejemplares vendidos en todo el planeta. Novela negra, llevada a la gran pantalla de forma magistral por el director danés, Niels Arden Oplev.

Cine negro del bueno, que cumple las principales premisas del género: El núcleo fundamental, el carácter problemático de sus personajes, siempre con la premisa de la ambigüedad, así como una visión pesimista de la sociedad.

Independientemente, estamos ante una adaptación impecable que lo largo de sus 152 minutos de metraje, nos sumerge en el mundo interior de sus protagonistas, Blomkvist, el periodista de Millennium, envuelto en un oscuro caso de difamación por el que deberá pagar un alto precio, recibirá la ayuda de una hosca y marginada hacker informática llamada Lisbeth Salander.

A la vez tendrá que investigar la desaparcion de una de las herederas de la poderosa familia de magnates suecos los Vanger. A partir de ahí todo se complica, y lo que parecía un extraño caso de desaparición sin resolver adquiere tintes dramáticos, deviene en un frenesí aterrador.
Subyace durante todo el film la violencia sobre las mujeres a cargo de personajes machistas y sanguinarios habidos de poder.

Sobresale el personaje de Lisbeth Salander, una estupenda interpretación de la desconocida Noomi Rapace, inolvidable. Un personaje distinto, original, lleno de fuerza y contradicciones que tomará mucho más protagonismo en las siguientes entregas.

Estamos ante una buena película que no defraudará incluso a los más exigentes.

CINE CLASICO: TRILOGÍA EL SEÑOR DE LOS ANILLOS


La esperada adaptación cinematográfica de la magnífica novela de J.R.R. Tolkien no defraudó a casi nadie.

Jackson asumió uno de los riesgos mas grandes de la reciente historia del cine al afrontar una empresa de mastodónticas dimesiones: 3 películas, 12 horas de metraje, 3 años de rodaje, un prespuesto desorbitado y un casting casi desconocido.

Además tenia el precendente de la fallida version de animacion de Ralph Bakshi de 1978, sin embargo el exito cosechado en todo el mundo fué la mejor recompensa.

Su gran equipo técnico consiguieron lo más difícil: ambientar de forma brillantísima un mundo fantástico que cada lector del libro ya tenía preconcebido en su imaginación. Además, la larga narración tiene ritmo y los efectos especiales son mas que espectaculares y si a esto le sumamos unos paisajes de ensueño tenemos una absoluta obra maestra.

El casting es perfecto, cada personaje esta genialmente definido y el actor encargado de darle vida es el ideal, si hubiera que resaltar a alguno seguramente se hayan quedado más en la retina de cada espectador Ian McKellen como Gandalf y Viggo Mortensen como Aragorn.

Una trilogía mágica que es desde la primera entrega hasta la última, asombrosa, e impecable. Un relato al tiempo épico y sutil, gigantesco y emotivo. Una auténtica maravilla.

En definitiva una espectacular adaptación, un relato épico, un viaje mágico que empieza como un cuento pero pronto se sumerge en un mundo tenebroso de impecable factura.

CINE CLASICO: CYRANO DE BERGERAC


Probablemente estemos ante la mejor adaptación del clásico de Edmond Rostand, con un Gérard Depardieu formidable, enorme, grandioso, en el mejor papel de su vida, al que injústamente se le negó el Oscar después de llevarse todos los premios cinematográficos de ese año.

Como bien se dice "la belleza está en el interior", en la poesía maravillosa que utiliza Cyrano inspirado en su amada, en los sentimientos ocultos, en el amor incondicional...

Una película emocionante, viva, con unos decorados impresionantes, un vestuario suntuoso y perfecto asi como el maquillaje y la preciosa música de Jean-Claude Petit.

Cyrano de Bergerac nos atrapa en sus imágenes desde ese estupendo comienzo en el salón de teatro. La aventura ha sido mil veces contada, nos la sabemos y todos recordamos como Cyrano se pierde ante la doncella que ama, siendo su prima es incapaz de proponerle su amor, mientras que su aliado, joven y apuesto la pretende a su vez. Cyrano se atormenta ayudándole a conseguirla, pero ella termina quedando maravillada por las poesías de Cyrano...

En las escenas de batalla respiramos tensión, y sufrimos junto con las tropas francesas. Los épicos duelos nos maravillan casi tanto como la historia de amor, y el verso recitado, sumamente difícil, se nos hace costumbre y lo entendemos en su totalidad.

Pero lo que más me marcó de la película fue el sorprendente, dramático, épico, humilde y emocionante monólogo final.... donde Depardieu nos desarma del todo.
Inigualable.

jueves, 1 de julio de 2010

CINE MODERNO: REC


¿qué es lo hace que tengamos la sensación de estar ante algo original, o que dejemos las uñas clavadas en los brazos de la butaca durante esos ochenta minutos si las historias de contagiados, zombies, mordiscos y visceras estan muy vistas?

¿la clave? el recurso de la cámara en mano. Balagueró y Plaza nos presentan una falsa grabación en la que un programa de televisión cubre por casualidad un extraño suceso. Vemos la película a través de la cámara del programa y nos lo narra una ambiciosa periodista que se encuentra ante la historia de su vida.

El método nos es familiar, un estilo de reportaje que vemos a diario en programas del tipo Madrid Directo o Callejeros. Es algo que le da a toda la historia un aire de verosimilitud y cercanía. Y precisamente eso, normalizar un tema tan extraordinario como el de un contagio zombie con un contexto tan familiar, es una de las cosas que hacen que REC dé más miedo.

Lo que en principio podía ser una apuesta arriesgada: la elección de una actriz/presentadora de la cantera de Los 40 TV para el papel protagonista, es uno de los grandes aciertos de la película. El anonimato en el mundo del cine de Manuela Velasco y su absoluta credibilidad con un micrófono en la mano redondea el efecto de realismo. La naturalidad es algo que define al casting al completo de la película, todo los actores contribuyen a crear una comunidad de vecinos de lo mas convincente.

REC es sin duda la mejor pélicula española de terror de los últimos años, tanto crítica como público así lo han atestiguado.

CINE MODERNO: UP


Up incluye, en el primer tramo de su metraje, una virtuosa miniatura: la comprimida historia de amor (dolores y renuncias incluidos) entre el protagonista y esa compañera de viaje que, en apariencia, se fue de este mundo sin ver cumplidos sus sueños. Es por si sola una absoluta obra maestra..

Pixar sigue sorprendiéndonos y emocionándonos.
La historia es todo un acierto. Sólo ellos pueden acercarse al tema del envejecimiento de una manera tan sublime.
La forma en la que está construída la historia hace que el film no decaiga en ningún momento. Además, tiene unos personajes secundarios muy divertidos, el perro Dug es todo un acierto. También es muy educativa la relación entre el anciano y Russell, ya que nos enseña a todos una gran lección: que nuestras personas mayores no son un estorbo, sino una fuente llena de conocimiento para las nuevas generaciones.

Debería haberse llevado el Oscar a la mejor película, ya que, aunque no tenga actores de carne y hueso, reúne todos los ingredientes que ningún film ha tenido durante todo el año.

CINE CLÁSICO: PERRO BLANCO


Muy de vez en cuando uno descubre alguna película que por muy diversos motivos le marca, produciéndose un antes y un después de su primer visionado.

Ya sea para bien o para mal esas películas se convierten en experiencias cinematográficas y podríamos decir que te acompañan el resto de tus días.

Con el tiempo uno ve esta película de forma especial, siempre tiene algo, no se bien si es su incomodidad, o su turbulento mensaje pero siempre esta ahí.

El film de Samuel Fuller en sus escasos 80 minutos constituye una arrolladora fuerza de la naturaleza que te golpea una y otra vez, o mejor dicho, te muerde desgarrándote las entrañas con cada imagen, hasta llegar hasta un final inolvidable.

 El mayor acierto y culpable de la calidad de Perro Blanco reside en su puesta en escena. Una puesta en escena que el director llena de vitalidad, garra y fuerza, demostrando porque ha sido uno de los cineastas que más ha influido en las generaciones posteriores.

El uso que Fuller da a las imágenes en cámara lenta es impresionante, consiguiendo que sientas odio y lástima por igual hacia el animal. A destacar también la fuerza de la música del maestro Moriconne, con una presencia mas que significativa en los momentos mas dramáticos.

Perro Blanco sigue siendo la película anti-racista más efectiva y más dura jamás realizada que, utilizando un argumento original y alejándose de las clásicas películas de negros apaleados por blancos, deja un relato a favor de la igualdad, donde la utilización de la violencia desmesurada sirve como arma para denunciarla (clara referencia al gran Peckinpah).
 Todo esto se agranda ante el hecho de que hasta hace bien poco era prohibida su distribución y visionado en Estados Unidos.

CINE CLASICO: LA MISION


Robert de Niro es Rodrigo de Mendoza, un extraficante de esclavos y asesino. Jeremy Irons es un jesuita, el Padre Gabriel. Los dos van a luchar por defender una misión en plena selva sudamericana. El primero con el poder de su espada, el segundo con la fuerza de su fe. En estas coordenadas se mueven los personajes de La Misión: la utilización o no de la violencia aunque sea por una causa justa.

La historia está basada en los hechos reales acaecidos en 1750 en la frontera entre Argentina, Brasil y Paraguay, cuando españoles y portugueses se repartieron el mundo y también a los indios, cuya única defensa fueron las paredes de las misiones.

Estamos ante una película técnicamente impecable, con una fotografía que ensalza la naturaleza y al hombre en ella. El film es recordado por imágenes como las del misionero lanzado en una cruz de madera por las cataratas del Iguazú, pero sobre todo será recordado por la maravillosa música de Ennio Morricone. Su partitura logra describir la épica de unos personajes en un majestuoso mundo amenazado por las guerras, las dudas y miedos de los protagonistas.

El director, Roland Joffé nos hace comprender a sus protagonistas, al soldado/misionero Mendoza y al reflexivo Padre Gabriel. Haciéndolos humanos y matizando sus caracteres.

Una película grande para hablar de temas grandes como la libertad, los derechos humanos, la exclavitud, el racismo, la fé o la redención.

CINE CLASICO: EL HOMBRE ELEFANTE


El Hombre Elefante es una obra de arte, una película estremecedora, grandiosa, de absoluta belleza. Con una fotografía en blanco y negro que no hace más que dotarla de mas tristeza y un clasicismo perfecto para la época en que se basa.

Es un canto al ser humano, una lucha para conseguir la dignidad de las personas, desterrar el rechazo, el miedo y la maldad hacia lo diferente.

John Merrick es un hombre de gran corazón, de pura bondad y gran sensibilidad, escondido tras una apariencia que horrorizaba a todos y no les dejaba ver más allá.

La interpretación de John Hurt en el papel del Hombre Elefante es de lo mejor visto en una pantalla, conseguir como consigue transmitir toda esa cantidad de sentimientos a través de un monstruoso maquillaje esta al alcance de muy pocos.
Tampoco olvidemos a Anthony Hopkins encarnando al Doctor Treves, en uno de los mejores papeles de su carrera.

En definitiva El Hombre elefante es una película para emocionarse... que no dejará a nadie indiferente y que seguramente se quede en la retina de todo el que la vea por mucho tiempo.